Pablo Picasso maľoval obraz „Raňajky slepých“ v roku 1903, keď mal iba 22 rokov. Tento obrázok vznikol na začiatku španielskeho umelca. Obdobie od roku 1901 do roku 1905, dielo španielskeho génia, kritici nazvali „modrou“, pretože v tom čase v dielach Picassa prevažovala modrá farba, ktorú nazýval „farbou všetkých Pablo Picasso - reprodukcie a obrazy slávneho umelca. Predaj reprodukcií, ktoré namaľoval Picasso aj v štýle kubizmu. Opis obrazu Pablo Picasso „Holubia“ Pablo Picasso sa narodil v Španielsku, vytvoril vo Francúzsku a jeho tvorba patrí do sveta. Ale nie ten skutočný, obvyklý, hmatateľný zmyslový orgán, ale obrátený naruby, zjednodušený na primitivitu, chaotický a nepoctivý svet. However, during Picasso’s long life – he died in 1973 at age 91 – he is estimated to have completed 13,500 paintings and around 100,000 prints and engravings. Pablo Picasso captured on 2020-03-18 - Explore Suzanne M's board "P. Picasso" on Pinterest. See more ideas about malarstwo, kubizm, obrazy. mwwIKSg. Choć w historii ludzkość powstały miliony, jak nie miliardy różnych obrazów, to spośród nich są takie, których nie można kupić za żadne pieniądze – są bezcenne. Na czarnym rynku to zapewne najdroższe obrazy na świecie, za które niejeden miłośnik sztuki gotów byłby zapłacić fortunę. Przedstawiamy najbardziej znane obrazy na świecie. fot. wikipedia Mona Lisa – La Gioconda – Leonardo da Vinci Naszą listę słynnych obrazów otwiera Mona Lisa, której oryginalny tytuł to La Gioconda. To prawdopodobnie najsłynniejszy obraz na całym świecie. Leonardo da Vinci malował Mona Lisę w latach 1503-1507. Portret przedstawia kobietę, która siedzi na balkonie i ubraną jest w skromną szatę. Kobieta namalowana została z innej perspektywy aniżeli krajobraz: kobieta w perspektywie centralnej, natomiast tło z lotu ptaka. Obraz ten był inspiracją dla wielu artystów Salvadora Dalí, czy Andy’ego Warhola. Śpiewało o nim wielu muzyków, pojawiał się w wielu produkcjach filmowych. Obraz znajduje się obecnie w paryskim Luwrze. Mona Lisa – Leonardo da Vinci // fot. wikipedia, domena publiczna Narodziny Wenus – Sandro Botticelli „Narodziny Wenus” Sandro Botticelli malował prawdopodobnie w latach 1484–1486. Centralne miejsce w obrazie zajmuje zajmuje naga, długowłosa bogini – Wenus, która stoi w ogromnej muszli, ta unoszona jest przez morskie fale. Wenus towarzyszą Hora – jedna z bogiń pór roku oraz Zefiry, które kierują muszlę ku brzegowi. Podobnie jak inne znane obrazy, „Narodziny Wenus” Botticellego doczekały się inspiracji w popkulturze. Fragment tego dzieła znajduje się na włoskiej monecie 10-centowej, na znaczkach pocztowych, czy na okładce płyty płyty Artpop Lady Gagi. Obraz „Narodziny Wenus” wystawiony jest w Galerii Uffizi we Florencji. Narodziny Wenus – Sandro Botticelli // fot. wikipedia, domena publiczna Gwiaździsta noc — Vincent van Gogh Znane na całym świecie obrazy to także dzieła Vincenta van Gogha. Jednym z nich jest „Gwiaździsta noc”, która powstała w 1889 roku, gdy artysta przebywał na dobrowolnej terapii psychiatrycznej w miejscowości Saint-Rémy. Dzieło van Gogha przedstawia właśnie tą miejscowość, nad którą widać wirujące gwiazdy. To jeden z nielicznych obrazów van Gogha, który został namalowany całkowicie z pamięci. „Gwiaździsta noc” była inspiracją utworów poetyckich, prozy i piosenki „Vincent (Starry, Starry Night)” Dona McLeana. Oryginał znajduje się w Museum of Modern Art w Nowym Jorku. Gwiaździsta Noc – Vincent van Gogh // fot. wikipedia, domena publiczna Krzyk – Edvard Munch Jeśli chodzi nie tylko o najsłynniejsze, ale również najdroższe obrazy świata ważną pozycję zajmuje „Krzyk” Edvarda Muncha. Obraz powstał w czterech wersjach w latach 1892-1895. Każda z wersji powstała w innej technice malarskiej. Całą serię artysta nazwał „Fryz życia”, ponieważ poświęcona została śmierci, strachowi i miłości. Oryginał można zobaczyć w Muzeum Narodowym w Oslo, dwa kolejne w Muzeum Muncha w Oslo. Czwarty natomiast znajdował się w prywatnej kolekcji Pettera Olsena, który w 2012 roku sprzedał obraz za rekordową wówczas sumę 119,9 milionów dolarów. Maska mordercy z filmu Krzyk wzorowana była właśnie na twarzy postaci z tego obrazu Muncha. Krzyk – Edward Munch // fot. wikipedia, domena publiczna Słoneczniki – Vincent van Gogh Kolejne dzieło na naszej liście autorstwa van Gogha i kolejna seria obrazów to „Słoneczniki” z lat 1887-1889. Na te słynne obrazy składa się aż 11 dzieł. 4 z nich powstały w Paryżu (Cztery ścięte słoneczniki – obecnie w Kröller-Müller Museum w Otterlo, Dwa ścięte słoneczniki (I) – w Muzeum Vincenta van Gogha w Amsterdamie, Dwa ścięte słoneczniki (II) – w Kunstmuseum w Bernie, Dwa ścięte słoneczniki (III) – w Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku). 7 kolejnych van Gogh stworzył w Arles (Trzy słoneczniki w wazonie – dziś w kolekcji prywatnej, Martwa natura: wazon z pięcioma słonecznikami – zniszczony podczas II wojny światowej, Martwa natura: wazon z piętnastoma słonecznikami – w National Gallery w Londynie, Martwa natura: wazon z dwunastoma słonecznikami – w Nowej Pinakotece w Monachium, Martwa natura: wazon z piętnastoma słonecznikami – w Sompo Japan Museum of Art w Tokio, Martwa natura: wazon z piętnastoma słonecznikami – w Muzeum Vincenta van Gogha w Amsterdamie , Martwa natura: wazon z dwunastoma słonecznikami – w Philadelphia Museum of Art). 12 słoneczników w wazonie – Vincent van Gogh // fot. wikipedia, domena publiczna Trwałość pamięci – Salvador Dali Najbardziej znane obrazy świata to także dzieła Salvadora Dalí – wśród nich wysokie miejsce zajmuje surrealistyczny obraz „Trwałość pamięci”. Dzieło to powstało w 1931 roku i obecnie znajduje się w Museum of Modern Art w Nowym Jorku. Obraz przedstawia zegary, które topią się na plaży, stąd często można się spotkać z błędnymi tytułami tego dzieła – Miękkie zegary lub Cieknące zegary. Artysta inspirował się surrealistyczną wizją… topienia sera Camembert pod wpływem promieni słonecznych. Obraz stał się jednym z symboli surrealizmu i przeszedł do popkultury – jego reprodukcje pojawiają się na pocztówkach, można go ujrzeć także w filmach, animacjach, czy komiksach. „Trwałość pamięci” to zdecydowanie najsłynniejszy obraz tego autora. Trwałość pamięci – Salvador Dali // fot. Stworzenie Adama – Michał Anioł Znane obrazy to nie tylko arcydzieła tworzone na płótnie. Na naszej liście znajduje się także fresk autorstwa Michała Anioła – „Stworzenie Adama”, który artysta ukończył około 1511 roku. Arcydzieło to znajduje się w Kaplicy Sykstyńskiej w Watykanie i można je podziwiać odwiedzając Muzea Watykańskie. Bóg przedstawiony został jako starszy człowiek z brodą. Jego prawe ramię wysuwa się, by przekazać iskrę życia do palca Adama. Palce Boga i Adama znajdują się w niewielkiej odległości od siebie. Adam ukazany jest na tle zielonych ogrodów oraz błękitnych wód Edenu. Fresk ten jest częścią serii fresków przedstawiających sceny biblijne. Stworzenie Adama – Michał Anioł // fot. wikipedia, domena publiczna Ostatnia Wieczerza – Leonardo da Vinci Wśród słynnych obrazów Leonardo da Vinci nie sposób pominąć „Ostatniej Wieczerzy”. Artysta tworzył ten fresk w latach 1494–1498 i można go podziwiać w bazylice Santa Maria delle Grazie w Mediolanie. Malowidło zyskało sławę i uznanie historyków sztuki przede wszystkim ze względu na naturalizm, proporcję, symetrię oraz dynamizm emocji. Arcydzieło przedstawia moment, w którym Jezus komunikuje, iż jeden z apostołów go zdradzi. Po dziś dzień powstaje wiele reprodukcji tego arcydzieła, które umieszczane są na kartach pocztowych, w prywatnych domach, czy obiektach kultu religijnego. Ostatnia wieczerza – Leonardo da Vinci // fot. wikipedia, domena publiczna Guernica – Pablo Picasso W roku 1937 w Paryżu powstał najbardziej znany obraz Pabla Picasso – Guernica. Artystę do namalowania go zainspirowało bombardowanie baskijskiego miasteczka Guernica w Hiszpanii w trakcie hiszpańskiej wojny domowej. Dzieło sztuki przedstawia chaos, śmierć oraz strach ludzi w tym spokojnym miasteczku. Tragedia tych wydarzeń została podkreślona kolorystyką – czernią, bielą i różnymi odcieniami szarości, a także postaciami i rekwizytami – szczątkami ludzkimi, czy płaczącymi kobietami. Oryginał znajduje się w Muzeum Narodowym Centrum Sztuki Królowej Zofii w Madrycie. Podobnie jak inne słynne obrazy doczekał się wielu reprodukcji i interpretacji – np. w wielu miejscach w Hiszpanii można odnaleźć murale polityczne z motywami obrazu Guernica. Dama z gronostajem – Leonardo da Vinci Nasza lista – najbardziej znane obrazy na świecie – zawiera również polski motyw. Jest nim znajdujący się w Muzeum Książąt Czartoryskich w Krakowie obraz Leonardo da Vinci – Dama z gronostajem, popularnie nazywany również Dama z Łasiczką. Leonardo da Vinci malował go w latach 1488–1490. To obraz wykonany w technice olejnej, z użyciem tempery, na desce orzechowej o wymiarach 54,7 cm × 40,3 cm. „Tytułowa Dama z gronostajem” to Cecylia Gallerani, czyli kochanka księcia Ludwika Sforzy. Podczas tournée po Europie w roku 2011 obraz został ubezpieczony na 300 mln euro – zająłby bez wątpienia wysokie miejsce w klasyfikacji – najdroższe obrazy na świecie. Obraz pojawia się w powieści Roberta Harrisa Fatherland, na ekranach w filmach Vinci, a także Obrońcy skarbów. W jaki sposób obraz trafił do Polski? Książe Adam Jerzy Czartoryski kupił „Damę z gronostajem” jako prezent dla swojej matki Izabeli Czartoryskiej w 1788 roku. W czasie powstania listopadowego obraz został wywieziony do Paryża, a następnie wrócił do Krakowa około 1880 roku (trafił do utworzonego tam Muzeum Czartoryskich). W 1939 roku obraz został zrabowany – pierwotnie służył jako dekoracja rezydencji Hansa Franka na Wawelu, a następnie wywieziono go do Niemiec. W 1946 roku udało się go odzyskać. W grudniu 2016 roku Fundacja Książąt Czartoryskich sprzedała Skarbowi Państwa całą kolekcję i nieruchomości w Krakowie za 100 mln euro. Dama z gronostajem – Leonardo da Vinci // fot. wikipedia, domena publiczna Zobacz też: • Futrzane obrazy, czyli klasycznie dzieła sztuki w nowym wydaniu • Najdziwniejsze muzea w Polsce • Dziwne budynki z całego świata • Miracle Garden w Dubaju – największy ogród na świecie • Kawą po mapie: najciekawsze i najlepsze kawiarnie na świecie źródła: (1),(2),(3),(4),(5),(6),(7),(8),(9),(10) Nie jest łatwo wybrać najbardziej znane obrazy świata. Czy mają to być obrazy znane przez pospolitego Kowalskiego? Czy może znane przez człowieka, który interesuje się sztuką? A może znane przez historyków sztuki? Ciężko stworzyć taką listę żeby nie pominąć żadnego z wielkich mistrzów. Poniżej przedstawiam subiektywną listę 35 najbardziej znanych obrazów, listę tę planuję rozbudowywać. Żeby przyjrzeć się detalom tych obrazów proponuję skorzystanie z aplikacji Arts & Culture, która umożliwia duże zbliżenie wielu znanych dzieł sztuki. Polecam również drugi post o znanych rzeźbach. 1. Słoneczniki – Vincent Van Gogh2. Mona Lisa – Leonardo da Vinci3. Dziewczyna z perłą – Jan Vermeer4. Ostatnia wieczerza – Leonardo da Vinci5. American Gothic – Grant Wood6. Guernica – Pablo Picasso7. Narodziny Wenus – Sandro Botticelli8. Niedzielne popołudnie na wyspie Grande Jatte – Georges Seurat9. Portret małżonków Arnolfinich – Jan van Eyck10. Panny z Avinionu – PAblo Picasso11. Syn Człowieczy – René Magritte 12. Ogród rozkoszy ziemskich – Hieronim Bosh13. Stworzenie Adama – Michał Anioł14. Saturn pożerający własne dzieci – Francisco Goya15. Krzyk – Edvard Munch16. Przysłowia Niderlandzkie – Pieter Bruegel Starszy17. Straż nocna – Rembrandt 18. Numer 5 (No 5) 1948 – Jackson Pollock19. Trwałość Pamięci – Salvador Dalí20. Wolność wiodąca lud na barykady – Eugène Delacroix 21. Lekcja anatomii Doktora Tulpa – Rembrandt22. Kompozycja w czerwieni, błękicie i żółcieni – Piet Mondrian 23. Maja Naga i Maja Ubrana – Francisco Goya 24. Znane obrazy: Pocałunek – Gustav Klimt25. Wielka fala w Kanagawie – Hokusai Katsushika26. Impresja, wschód słońca – Claude Monet 27. Kompozycja VIII – Wassily Kandinsky28. Tratwa Meduzy – Théodore Géricault29. Burza na Jeziorze Galilejskim – Rembrandt 30. Dama z Gronostajem – da Vinci31. Gwiaździsta noc – Vincent van Gogh32. Autoportret – Vincent van Gogh33. Szkoła Ateńska – Raphael Santi34. Znane obrazy: Bachus i Ariadna – Tycjan35. Biały środek (żółty, różowy, lawendowy) – Mark Rothko 1. Słoneczniki – Vincent Van Gogh Znane obrazy: Słoneczniki van Gogha Słoneczniki to chyba jeden z najczęściej reprodukowanych obrazów van Gogha. Warto jednak zwrócić uwagę, że w istocie jest to nazwa dwóch serii martwych natur holenderskiego malarza. Pierwsza seria, wykonana w Paryżu w 1887 roku, przedstawia kwiaty leżące na ziemi. Druga seria, wykonana rok później w Arles, pokazuje bukiet słoneczników w wazonie. Bardziej rozpoznawalne są właśnie te w wazonie. Vincent van Gogh zaczął go malować latem 1888 roku i kontynuował w następnym roku. Obrazy przedstawiają słoneczniki na wszystkich etapach życia, od pełnego rozkwitu po usychanie. Obrazy uznane są za innowacyjne ze względu na wykorzystanie żółtego spektrum. Częściowo dlatego, że nowo wynalezione pigmenty umożliwiły wprowadzenie nowych kolorów. Jeden z tych obrazów trafił do Paula Gauguina jako wystrój jego nowego mieszkania. 2. Mona Lisa – Leonardo da Vinci Mona Lisa Leonardo Da Vinci namalował ten jeden z najbardziej rozpoznawalnych obrazów świata pomiędzy 1503 a 1517 rokiem. Na przestrzeni lat badaczy nękało pytanie kim jest ta tajemnicza kobieta ze swoim słynnym uśmiechem. Teorie są różne: że jest to żona florenckiego kupca Francesco di Bartolomeo del Giocondo (stąd alternatywny tytuł dzieła, La Gioconda); że na portrecie jest matka Leonarda – Cateriną; a nawet że jest to sam Leonardo w wersji drag queen. Obraz można obejrzeć w Luwrze w Paryżu. 3. Dziewczyna z perłą – Jan Vermeer Dziewczyna z perłą Obraz ten znamy również pod nazwą Dziewczyna w perłowych kolczykach. Ten słynny obraz holenderskiego malarza Johannesa Vermeera, został przez niego namalowany około 1665 roku. Kolejne nazwy tego obrazu to Mona Lisa północy, lub holenderska Mona Lisa. Nie wiadomo kim jest dziewczyna z obrazu, możliwe że jest to córka artysty. Obraz ten jest tzw. tronie czyli pewnym rodzajem holenderskich obrazów z okresu złotego wieku malarstwa holenderskiego. Obrazy te przedstawiają twarz z przesadzonymi emocjami lub postać(często stereotypową) w stroju. Tronie nie jest niestety zbyt dobrze wyjaśniony. Obraz można oglądać w Królewskiej Galerii Malarstwa w Hadze. 4. Ostatnia wieczerza – Leonardo da Vinci Znane obrazy: Ostatnia wieczerza Ostatnia wieczerza to malowidło ścienne z końca XV wieku autorstwa Leonarda da Vinci. Znajduje się w refektarzu klasztoru Santa Maria delle Grazie w Mediolanie. Jest to jeden z najbardziej znanych obrazów na świecie, jeden z najbardziej przestudiowanych i zbadanych. Zakłada się, że prace rozpoczęto około 1495 r. Zlecono je w ramach renowacji kościoła i budynków klasztornych patronowi Leonarda, Ludovico Sforzy, księciu Mediolanu. Obraz przedstawia scenę ostatniej wieczerzy Jezusa z uczniami, tak jak opisuje ją Ewangelia Św Jana. Leonardo przedstawił moment w którym uczniowie Jezusa dowiadują się, że jeden z nich go zdradzi. Judasz to druga postać po lewej Jezusa(trzecia głowa) – ta trzymająca sakiewkę. 5. American Gothic – Grant Wood American Gothic Obraz Granta Wooda American Gothic z kolekcji Art Institute of Chicago. Obraz ten uznaje się za najbardziej rozpoznawalny amerykański obraz XX wieku. Na obrazie znajduje się dom w stylu neogotyckim oraz ludzie którzy według autora mogliby w nim mieszkać. Czyli farmer i jego córka – stara panna. Modelami była siostra artysty oraz jego dentysta. Kobieta ubrana w fartuch w stylu kolonialnym, a oboje pełnią tradycyjne role, widły mężczyzny symbolizują ciężką pracę, a kwiaty na prawym ramieniu kobiety sugerują domostwo. 6. Guernica – Pablo Picasso Guernica. Fot.: Manuel Galrinho / flikr Guernica jest antywojennym obrazem Pabla Picassa, którego inspiracją było bombardowanie w 1937 r. Zbombardowano baskijskie miasto podczas hiszpańskiej wojny domowej przez niemieckie i włoskie samoloty sprzymierzone z faszystowskim dyktatorem – generałem Francisco Franco. Obraz powstał na zlecenie przeciwników Franco i po raz pierwszy pokazano go na stoisku hiszpańskim Światowych Targów w Paryżu w 1937 roku. Po zamknięciu targów Guernica podróżowała, po czym została wypożyczona Muzeum sztuki nowoczesnej w Nowym Jorku. Jedynym warunkiem było, że powróci do Hiszpanii po przywróceniu demokracji – co miało miejsce w 1981 r. Obraz można zobaczyć w muzeum w Madrycie. 7. Narodziny Wenus – Sandro Botticelli Narodziny Wenus Dzieło Narodziny Wenus Sandro Botticellego to pierwszy od starożytności obraz w którym występuje niereligijna nagość. Obraz powstał dla dla Lorenza de Medici. Twierdzi się, że postać Bogini Miłości jest wzorowana na niejakiej Simonetcie Cattaneo Vespucci, która podobała się zarówno Lorenzo jak i jego młodszemu bratu Giuliano. Na obrazie Wenus płynie na muszli w stronę brzegu pchana przez wiatry – Zefiry. Na brzegu czeka na nią z płaszczem personifikacja wiosny. W przeciwieństwie do innych artystów renesansu i tendencji epoki do dążenia do jak największego realizmu w malarstwie, Botticelli nie zadbał o zachowanie dokładności i szczegółów w budowie anatomicznej postaci Wenus. Jej szyja jest nienaturalnie długa, a lewy bark jest ustawiony pod nieprawdopodobnym pod względem anatomicznym kątem. Mimo to uchodzi ona za uosobienie kobiecego piękna. 8. Niedzielne popołudnie na wyspie Grande Jatte – Georges Seurat Niedzielne popołudnie na wyspie Grande Jatte Obraz(1884) Georgesa Seurata, przedstawia Paryż okresu La Belle Epoque, faktycznie przedstawia podmiejską klasę robotniczą daleko poza centrum miasta. Seurat często czynił to środowisko swoim tematem, co różniło się od burżuazyjnych portretów jego impresjonistycznych współczesnych. Seurat nie zgadzał się podejściem Maneta, Moneta i Degasa czyli uchwyceniem chwili, zamiast tego interesowała go ponadczasowość greckich rzeźb. Chciał stworzyć klasyczny krajobraz w nowoczesnej formie. Obraz namalowany jest techniką puentylizmem czyli gęstą siecią różnokolorowych punktów które tworzą obraz. Postacie są zgeometryzowane, pozowane i silnie stypizowane. Brakuje im mimiki czy indywidualności – są całkowicie sprowadzone do rekwizytów, np. nakryć głowy, akcesoriów itp. 9. Portret małżonków Arnolfinich – Jan van Eyck Portret małżonków Arnolfinich Obraz Jana van Eycka z 1434 roku to jedno z najważniejszych dzieł okresu renesansu niderlandzkiego, uważa się go za jeden z pierwszych obrazów olejnych. Podwójny portret, prawdopodobnie przedstawia włoskiego kupca i kobietę, która może być jego oblubienicą. Uchwycony moment to ceremonia składania przysięgi małżeńskiej. Przedmioty na obrazie mają znaczenie symboliczne. Szczególnie ciekawe jest lustro w głębi pokoju, na którym widać małżonków od tyłu a także artystę który ich maluje. Można powiedzieć że był wczesnym projektantem światła, malując realistyczne cienie i światła, także jego wykorzystanie perspektywy budzi zachwyt. Obraz małżeństwa Arnolfinij jest jak obraz, w który można wejść. Obraz można obejrzeć w National Gallery w Londynie. 10. Panny z Avinionu – PAblo Picasso Panny z Avinionu. Źródło: MoMA Obraz Panny z Avignonu z 1907 roku, to jeden z najbardziej znanych obrazów Pabla Picassa. Wbrew swojej nazwie nie przedstawia francuskich dziewczyn, a pięć katalońskich prostytutek z Barcelony. Skąd więc taki dziwny tytuł? Ano stąd, że współczesna Picassowi widownia nie była gotowa na jego nowatorską sztukę. Dodanie do tego kontrowersyjnego tematu tabu -prostytucji, nie pomogłaby mu w niczym. Sam Avignon pochodzi od nazwy ulicy na której rezydowały owe panie. Panny z Avignonu to przykład kubizmu, sylwetki kobiet są zgeometryzowane, a ich twarze przypominają afrykańskie maski(którymi picasso się fascynował). Widać tutaj też porzucenie perspektywy na rzecz płaskiego obrazu w dwóch wymiarach. Obecnie znajduje się w nowojorskim muzeum sztuki nowoczesnej. 11. Syn Człowieczy – René Magritte Syn człowieczy. Źródło: magrittegallery Syn człowieczy to obraz belgijskiego surrealisty René Magritte’a z 1964 roku. Magritte namalował swój autoportret w płaszczu z melonikiem i z jabłkiem zasłaniajacym twarz. Za plecami ma niską ściankę, za którą jest morze i pochmurne niebo. Co ciekawe lewe ramię mężczyzny wydaje się wyginać do tyłu w łokciu, widać też fragment oka wyglądającego zza jabłka. 12. Ogród rozkoszy ziemskich – Hieronim Bosh Ogród rozkoszy ziemskich Jest to fantastyczny tryptyk późno średniowiecznego artysty niderlandzkiego. Namalowany około 1500 roku, obecnie znajduje się w muzeum Prado w Madrycie. Po zamknięciu skrzydeł bocznych ukazuje się obraz ziemi, w górnej lewej części Bosch umieścił wizerunek Boga oraz na obu skrzydłach fragment z Psalmu – obraz ten przedstawia 3 dzień stworzenia. Wewnątrz na lewym panelu widnieje Chrystus przedstawiający Ewę Adamowi. Prawy przedstawia piekło, a środkowy panel przedstawia upadek ludzkości i zwycięstwo grzechu – Nadzy ludzie wszystkich ras spędzają czas na cielesnych zabawach, igraszkach, jedzeniu i piciu. Ponieważ znane są tylko niektóre szczegóły życia Boscha, interpretacja jego pracy jest trudna, ponieważ jest w dużej mierze oparta na przypuszczeniach. Poszczególne motywy i elementy symboliki mogą być wyjaśnione, ale jak dotąd nie udało się powiązać. Zagadkowe sceny przedstawione na panelach wewnętrznego tryptyku Ogrodu ziemskich rozkoszy były badane przez wielu uczonych, którzy często dochodzili do sprzecznych interpretacji. 13. Stworzenie Adama – Michał Anioł Stworzenie Adama Fresk Stworzenie Adama Michała Anioła stanowi część sufitu Kaplicy Sykstyńskiej, namalowany około 1511–1512. Ilustruje biblijną narrację o stworzeniu z Księgi Rodzaju, w której Bóg tchnie życie w Adama, pierwszego człowieka. Fresk jest częścią złożonego schematu ikonograficznego i jest chronologicznie czwartym z serii paneli przedstawiających epizody z Księgi Rodzaju. Jest to najbardziej znany z paneli freskowych Kaplicy Sykstyńskiej, o jego sławę jako dzieła sztuki rywalizuje tylko Mona Lisa Leonarda da Vinci. Obraz prawie dotykających się rąk Boga i Adama stał się ikoną ludzkości i jest odtwarzany w niezliczonych imitacjach i parodiach. Przez pewien czas podejrzewano Michała Anioła o fałszerstwo znanej rzeźby – Grupa Laokoona, najsłynniejsza rzeźba starożytności. 14. Saturn pożerający własne dzieci – Francisco Goya Znane obrazy: Saturn pożerający własne dzieci Saturn pożerający własne dzieci to obraz hiszpańskiego artysty Francisco Goya. Zgodnie z tradycyjną interpretacją obraz przedstawia grecki mit Tytana Kronosa. Kronos w obawie, że jedno z jego dzieci go odbierze mu tron, zjadł je po narodzinach. Dzieło to jest jednym z 14 Czarnych Malowideł, które Goya namalował bezpośrednio na ścianach swojego domu w latach 1819–1823. Obraz przeniesiono na płótno po śmierci Goi po kilkudziesięcioletniej obecności na ścianach jego byłego domu. Obecnie można go oglądać w Museo del Prado w Madrycie. 15. Krzyk – Edvard Munch Krzyk Scream lub Krzyk to popularna nazwa nadana każdej z czterech wersji kompozycji, stworzonej zarówno jako obrazy, jak i pastele. Autorem jest ekspresjonistyczny artysta Edvard Munch, który go namalował w latach 1893–1910. „Fryz życia” to tytuł serii, jaki Munch nadał tym dziełom. Wszystkie z nich pokazują postać z bolesnym wyrazem twarzy na tle burzliwego pomarańczowego nieba. Krajobraz który widać na obrazie to jeden z fiordów w pobliżu Oslo. Jest to dzieło ekspresjonizmu i jeden z najbardziej rozpoznawalnych obrazów wszech czasów, mówi się o nim nawet Mona Lisa naszych czasów. Warianty tych obrazów można zobaczyć w Galerii Narodowej w Oslo, dwa w Muzeum Muncha w Oslo, a ostatni jest w rękach prywatnych. 16. Przysłowia Niderlandzkie – Pieter Bruegel Starszy Przysłowia niderlandzkie Obraz olejny Przysłowia niderlandzkie z 1559 roku autorstwa flamandzkiego artysty Pietera Bruegela Starszego. Obraz przedstawia scenę, w której ludzie,, zwierzęta i przedmioty, przedstawiają ilustracje przysłów i idiomów w lokalnym języku. Do tej pory udało się zidentyfikować 112 przysłów i idiomów, aczkolwiek może ich być tam więcej. Niestety nie jesteśmy w stanie ich zidentyfikować ze względu na zmiany języka. Motywami przewodnimi w obrazach Bruegla są absurdalność, niegodziwość i głupota ludzi. Oryginalny tytuł obrazu, „Niebieski płaszcz” lub „Szaleństwo świata”, wskazuje, że intencją Bruegla było nie tylko zilustrowanie przysłów, ale raczej skatalogowanie ludzkiej głupoty. Wiele przedstawionych osób pokazuje charakterystyczne, puste rysy, których Bruegel używał do przedstawiania głupców. Obraz Breugla można podziwiać w muzeum w Berlinie. Warto jednak pamiętać, że jego syn Pieter Brueghel Młodszy wykonał przynajmniej 16 kopii tego obrazu. 17. Straż nocna – Rembrandt Straż nocna. Fot.: Dennis Jarvis/flikr Obraz zwany również Wymarszem Strzelców oraz Kompanią Fransa Banninga Cocqa i Willema van Ruytenburgha to obraz z 1642 roku, którego autorem jest holenderski malarz Rembrandt van Rijn. Aktualnie jest eksponowany w Rijksmuseum w Amsterdamie w Holandii jako najbardziej znany obraz w swojej kolekcji. Nocna Straż to znany na całym świecie przykład sztuki barokowej. Nocna Straż jest jednym z najbardziej znanych obrazów Złotego Wieku Malarstwa Holenderskiego. Obraz słynie z trzech rzeczy: jego olbrzymiego rozmiaru (363 cm × 437 cm i waży 337 kg), dramatycznego użycia światła i cienia (tenebrizm) oraz uchwyconego ruchu w czymś, co tradycyjnie byłoby statycznym wojskiem portretem grupowym. W lipcu 2019 r. rozpoczęła się długa i złożona renowacja, która odbywa się publicznie w specjalnie wykonanej szklanej obudowie. Dzieje się to w Rijksmuseum, i jest transmitowana na żywo pod hasłem Operation Night Watch 18. Numer 5 (No 5) 1948 – Jackson Pollock No. 5, 1948 Ten słynny obraz Jacksona Pollocka z 1948 roku jest charakterystycznym dziełem sztuki, które przedstawia chaos szalejący w Pollocku w czasie malowania. Jest to przykład ekspresjonizmu abstrakcyjnego. Liczne zawijasy i siatki sprawiają, że jest to niezwykły obraz. Z tych powodów jest to jeden z najdroższych obrazów, jakie kiedykolwiek sprzedał amerykański artysta. Obraz został sprzedany za ogromne 140 milionów dolarów. Technika Pollocka polegała na charakterystycznym kapaniem farbą na płótno i rozpryskiwaniem jej co zwie się tzw. action painting – malarstwem gestu. 19. Trwałość Pamięci – Salvador Dalí Trwałość pamięci. Źródło: MoMA Trwałość pamięci to obraz Salvadora Dalí z 1931 roku i jest jednym z jego najbardziej rozpoznawalnych dzieł. Po raz pierwszy pokazany w 1932 roku, obraz znajduje się w kolekcji Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku od 1934 roku, który otrzymał go od anonimowego dawcy. Jest szeroko rozpoznawalny i często przywoływany w kulturze popularnej, choć jest bardziej znany z bardziej opisowych tytułów Miękkie zegary lub Cieknące zegary. Obraz ten uosabia teorię „miękkości” i „twardości” Dalego, która była w tym czasie kluczowa dla jego twórczości. Z czasem pojawiła się interpretacja tego obrazu jako nawiązanie do teori względności Einsteina. Jednak Dali zapytany o to, odpowiedział , że jego inspiracją był topniejący w słońcu camembert a nie teoria względności. Na środku obrazu można zauważyć postać ludzką, abstrakcyjna forma staje się czymś w rodzaju autoportretu, często pojawiającym się w jego twórczości. 20. Wolność wiodąca lud na barykady – Eugène Delacroix Wolność wiodąca lud na barykady Obraz(1830) Eugene Delacroix przedstawia personifikację wolności, nazywaną przez francuzów Marianne. Marianne łączy różne klasy które się łączą aby szturmować barykadę usianą ciałami poległych towarzyszy. Obraz miał upamiętnić rewolucję lipcową w 1830 r., która obaliła króla Francji Karola X. Łącząc alegorię ze współczesnymi elementami, obraz jest ekscytującym przykładem stylu romantycznego. Obraz zainspirował inne dzieła sztuki i literatury, w tym Statuę Wolności i powieść Victora Hugo Les Misérables. 21. Lekcja anatomii Doktora Tulpa – Rembrandt Lekcja anatomii Doktora Tulpa Dzieło pt. Lekcja anatomii dr Tulpa to obraz olejny z 1632 roku autorstwa Rembrandta, który aktualnie można zobaczyć w w muzeum Mauritshuis w Hadze. Obraz przedstawia publiczną sekcję zwłok, która rzeczywiście miała miejsce. Na obrazie kroją złodzieja Adrianna Arisza(Aris Kindt), a sekcję wykonuje doktor Nicolaes Tulp, który był głównymm anatomem Amsterdamskiej Gildii Chirurgów. Co ciekawe postaci zanjdujące się na obrazie to prawdziwi mieszkańcy Amsterdamu którzy zapłacili rembrantowi żeby znaleźć się na tym obrazie. Rembrant otrzymał to zlecenie w wieku 26 lat i było to jego pierwsze duże zlecenie w nowym dla niego Amsterdamie. 22. Kompozycja w czerwieni, błękicie i żółcieni – Piet Mondrian Kompozycja w czerwieni, błękicie i żółcieni – Piet Mondrian Ten niewielki obraz(1930) (czterdzieści kilkacentymetrów na czterdzieści kilkacentymetrów) to radykalna czyszczenie formy, koloru i kompozycji do ich podstawowych elementów. Ograniczając swoją paletę do podstawowej triady (czerwonej, żółtej i niebieskiej) oraz czerni i bieli, Mondrian nakładał pigment na płaskie niezmieszane łaty w układzie kwadratów i prostokątów, które były zapowiedzią minimalizmu. Mondarin uważanyjest za jednego z prekursorów abstrakcjonizmu oraz za twórcę neoplastycyzmu. 23. Maja Naga i Maja Ubrana – Francisco Goya maja naga Są to dwa obrazy nieznanej kobiety, chociaż podejrzewa się że była to kochanka zleceniodawcy obrazu Manuela Godoya. Obrazy namalował hiszpański malarz Francisco Goya i powstały między 1797 a 1800. Co ciekawe słowo maja nie jest tu imieniem – jest to nieudolne tłumacznie z hiszpańskiego i oznacza łądną dziewczynę. Portret nagiej kobiety, wywołały kontrowersje. W Hiszpanii malowanie nagiego ciała, jeżeli nie miało alegorycznego znaczenia lub nie było powiązane z mitologią, było praktycznie zakazane. To sprowadziło na kark Goi świętą inkwizycję i podobno aż do XX wieku naga maja była zasłonięta przez tę ubraną. Co warto zauważyć obraz nagiej dziewczyny goi był jednym z pierwszych przedstawień wlosów łonowych w sztuce zachodu. 24. Znane obrazy: Pocałunek – Gustav Klimt Pocałunek – Gustav Klimt Pocałunek to obraz olejny pokryty płatkami złota autorstwa Gustava Klimta. Zaliczany jest do nurtu secesji wiedeńskiej(odpowiednik art nouvoux), który powstał w latach 1907–1908. Obraz obecnie znajduje się w muzeum Österreichische Galerie Belvedere w Wiedniu. Obraz przedstawia parę kochanków na skarpie łąki kwiatowej. Kochankowie odziani w złote szaty zostali uchwyceni w pozie sugerującej zbliżający się pocałunek. Miłość, intymność i seksualność są częstymi tematami występującymi w pracach Gustava Klimta. Uważa się, że Klimt i jego towarzyszka Emilie Flöge byli modelami tego obrazu, ale nie ma n to dowodów. 25. Wielka fala w Kanagawie – Hokusai Katsushika Wielka fala w Kanagawie Obraz Wielka fala to drzeworyt drukowany japońskiego artysty Hokusaia tworzącego w stylu ukiyo-e. Został opublikowany w latach 1830–1833 w późnym okresie Edo jako pierwszy w serii „Trzydzieści sześć widoków góry Fuji”. Jest to najbardziej znane dzieło Hokusai i jedno z najlepiej rozpoznawalnych dzieł sztuki japońskiej na świecie. Przedstawia ogromną falę zagrażającą łodziom u wybrzeży prefektury Kanagawa. Odbitki drzeworytu znajdują się w wielu różnych kolekcjach sztuki na całym świecie. 26. Impresja, wschód słońca – Claude Monet Impresja, wschód słońca Jest to obraz Clouda Moneta z 1872 roku od którego tytułu wziął swoją nazwę nowey wówczas styl w sztuce czyli impresjonizm. Na obrazie widnieje świt w porce w Hawrze, rodzinnym mieście artysty. Impresja, wschód słońca znacząco różni się od tradycyjnego malarstwa pejzażowego i klasycznego, wyidealizowanego piękna. Monet był znany ze swoich badań nad światłem i kolorem. Podobnie jak inne znane obrazy Moneta płótno stanowi wspaniały przykład z jego luźnych pociągnięć pędzla, które miały raczej sugerować scenę niż ją odzwierciedlać. 27. Kompozycja VIII – Wassily Kandinsky Znane obrazy: Kompozycja VIII Jest to obraz rosyjskiego malarza z 1923 roku, którego uważa się za pioniera sztuki abstrakcyjnej. Jego koncepcja sztuki definiuje trzy rodzaje malarstwa. Wrażenia, improwizacje i kompozycje. Wrażenia oparte są na zewnętrznej rzeczywistości, improwizacje i kompozycje przedstawiają obrazy wyłaniające się z nieświadomości, chociaż kompozycja jest rozwijana z bardziej formalnego punktu widzenia. Kompozycja VIII składa się z różnorodnych geometrycznych kształtów, kolorów, prostych i zakrzywionych linii ustawionych na kremowym tle, który przechodzą w określonych punktach w obszary bladoniebieskie. Użycie okręgów, siatek, prostokątów, półkoli, trójkątów i innych form matematycznych jest zgodne z wiarą malarza w mistyczne właściwości geometrycznych kształtów, a wyświetlane kolory są wybierane ze względu na ich emocjonalny wpływ. Kandinsky, który fascynował się kolorami od najmłodszych lat i uważał, że mają one właściwości transcendentalne. Chciał zbadać związek między dźwiękiem a kolorem, który pozwoliłby malarzowi stworzyć dzieło w podobny sposób, jak muzyk komponuje piosenkę. Obecnie obraz jest wystawiany w Muzeum Guggenheima w Nowym Jorku. 28. Tratwa Meduzy – Théodore Géricault Znane obrazy: Tratwa Meduzy Historia obrazu zaczyna się od zatonięcia w 1818 roku francuskiego okrętu wojennego u wybrzeży Afryki, w wyniku którego 147 żeglarzy dryfuje na pospiesznie zbudowanej tratwie. Z tej liczby tylko 15 pozostało po 13-dniowej ciężkiej próbie na morzu, która obejmowała przypadki kanibalizmu wśród zdesperowanych mężczyzn. Na bazie tych prawdziwych wydarzeń powstał ten słynny obraz francuskiego malarza romantycznego Théodore Géricault wyróżniający się dramatyczną piramidalną kompozycją. Malarz uchwycił moment, w którym wychudzona załoga tratwy dostrzega statek ratunkowy. Géricault podszedł do malowanie jak reporter śledczy, przeprowadzając wywiady z ocalałymi i przeprowadzając liczne szczegółowe badania na podstawie ich zeznań. Obraz ten jest ikoną francuskiego malarstwa romantycznego. 29. Burza na Jeziorze Galilejskim – Rembrandt Znane obrazy: Burza na Jeziorze Galilejskim Burza na Jeziorze Galilejskim to dzieło sztuki namalowane w 1633 roku przez holenderskiego malarza Złotego Wieku Malarstwa Holenderskiego Rembrandta van Rijna. Przez bardzo długi czas był wystawiany w Isabella Stewart Gardner Museum w Bostonie. Niestety w 1990 r. Dwóch złodziei włamało się do muzeum i ukradło go 12 innymi dziełami sztuki. Niestety do tej pory nie udało się go odzyskać.. Kradzież ta jest nadal uważana za jedną z największych kradzieży dzieł sztuki w historii USA. Obraz przedstawia Jezusa uspokajającego burzę na Morzu Galilejskim, tak jak opisano to w czwartym rozdziale Ewangelii Marka. Rembrandt namalował najbardziej dramatyczny wątek tego wydarzenia, morski sztorm i unoszona wysokimi falami łódź, którą płynął Jezus z uczniami. To jedyny krajobraz morski Rembrandta. 30. Dama z Gronostajem – da Vinci Dama z gronostajem Znane obrazy w skali światowej, które znajdują się w Polsce są nieliczne. Bezsprzecznie należy do nich Dama z gronostajem nazywana również damą z łasiczką to obraz Leonarda da Vinci z około 1489–1490 roku. Jest to portret Cecilii Gallerani, kochanki Ludovico Sforzy, księcia Mediolanu. Obraz jest jednym z czterech portretów kobiet namalowanych przez Leonarda. Pozostałe to Mona Lisa, portret Ginevry de 'Benci i La belle ferronnière. Obecnie znajduje się na Zamku Królewskim na Wawelu. Jest jednym z najcenniejszych muzealiów i jedynym dziełem Leonarda da Vinci w Polsce. 31. Gwiaździsta noc – Vincent van Gogh Gwiaździsta noc Obraz Gwiaździsta noc to olej na płótnie autorstwa holenderskiego postimpresjonistycznego malarza Vincenta van Gogha. Namalowany w czerwcu 1889 r. obrazuje widok z okna wychodzącego na wschód pokoju szpitalnego malarza w Saint-Rémy-de-Provence. Mieszkał tam po tym jak odciął sobie ucho. Widok ten, Van Gogh namalował wielokrotnie w wielu wariantach, prawdopodobnie około 21 razy. Van Gogh malował widok o różnych porach dnia i przy różnych warunkach pogodowych, w tym o wschodzie słońca, wschodzie księżyca, dniach nasłonecznionych, pochmurnych, wietrznych i jednego dnia z deszczem. Jednym z takich wariantów jest właśnie gwiaździsta noc. Od 1941 roku znajduje się w stałej kolekcji Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku. 32. Autoportret – Vincent van Gogh Znane obrazy: Autoportret Vincent van Gogh namalował w ciągu swego życia 38 autoportretów, które były ważną częścią jego twórczości jako malarza. Najprawdopodobniej autoportrety van Gogha przedstawiają twarz, która pojawiła się w lustrze, w którym odtwarzał swoją twarz, tj. jego prawa strona na zdjęciu jest w rzeczywistości lewą stroną jego twarzy. Malowanie portretów było sposobem zarabiania pieniędzy i rozwoju swoich umiejętności artystycznych. Kiedy zaczął malować pierwsze portrety, jako modele posłużyli mu chłopi. Później przestawił się na malowanie pejzaży i kwiatów, przede wszystkim dlatego, że nie był w stanie zapłacić modelom. Właśnie dlatego zaczął malować siebie samego. Ustawiczny brak pieniędzy był też powodem malowania autoportretów również i w latach następnych. 33. Szkoła Ateńska – Raphael Santi Znane obrazy: Szkoła ateńska Szkoła ateńska to fresk włoskiego renesansowego artysty Rafaela. Rafael namalował go między 1509 a 1511 r. w ramach zlecenia na dekorację pomieszczeń w Pałacu Apostolskim w Watykanie. Sala w której znajduje się fresk była pierwszą z malowanych sal, a Szkoła Ateńska, reprezentująca filozofię, była prawdopodobnie trzecim obrazem, który ma być tam ukończony, po La Disputa (teologia) na przeciwległej ścianie, i Parnassus (literatura) . Obraz od dawna postrzegamy jako arcydzieło Rafaela i idealne ucieleśnienie klasycznego ducha renesansu. 34. Znane obrazy: Bachus i Ariadna – Tycjan Znane obrazy: Bachus i Ariadna Bachus i Ariadna to obraz olejny Tycjana namalowany w latach 1522 -1523. Jest to jeden z cyklu obrazów o tematyce mitologicznej namalowany dla Alfonsa I d’Este, księcia Ferrary do jego pałacu ozdobionego obrazami opartymi na tekstach klasycznych. Na obrazie widać po lewej Ariadnę pozostawioną na wyspie Naksos przez jej kochanka Tezeusza, którego statek płynie w skrajnej lewej części. Na brzegu dostrzega ją bóg Bachus, który prowadzi procesję biesiadników w rydwanie ciągniętym przez dwa gepardy. Bachus jest przedstawiany w powietrzu, gdy wyskakuje z rydwanu, aby chronić Ariadnę przed tymi bestiami. Na niebie nad postacią Ariadny znajduje się gwiazdozbiór gwiazdy Corona Borealis. Obraz, uważany za jedno z największych dzieł Tycjana, obecnie wisi w National Gallery w Londynie. 35. Biały środek (żółty, różowy, lawendowy) – Mark Rothko Znane obrazy: Biały środek (żółty, różowy, lawendowy) Źródło: Sothebys Jest abstrakcyjnym obrazem Marka Rothko ukończonym w 1950 r. Biały środek jest częścią charakterystycznego dla Rothko stylu wielopostaciowego: kilka bloków warstwowych, uzupełniających się kolorów na dużym płótnie. Obraz ten jest przedstawicielem amerykańskiego stylu szkoły nowojorskiej zwanym Color field painting. Pracę sprzedano w maju 2007 r. królewskiej rodzinie Kataru za 72,84 mln USD. Są bezcenne. Niemożliwe do zakupu za żadne pieniądze. Są niewątpliwym dobrem narodowym, które przekracza czas i koncepcje artystyczne, żeby stworzyć historię. I choć namalowanych obrazów jest miliony, tylko nieliczne z nich, są znane ludziom na całym świecie. Poniżej zebraliśmy dla Was, listę najpopularniejszych obrazów na świecie, które wywarły maksymalny artystyczny wpływ i uznanie. Nie musisz być wielbicielem sztuki, jednak te tytuły i ich autorów powinieneś kojarzyć. Lista obejmuje dzieła, które obecnie znajdują się w jednych z najlepszych na świecie muzeów. Zdradzamy również ich lokalizację, byście mogli zobaczyć je przy okazji swoich podróży. Lista 30 najpopularniejszych obrazów w historii sztuki. 1. Mona Lisa — Leonardo da Vinci Tytuł oryginalny: La Gioconda Data powstania: 1503-1519 Oryginał zobaczysz w: Paryż, Luwr. Najpopularniejszy na świecie portret przedstawia kobietę, siedzącą na balkonie, ubraną w skromną szatę bez oznak pozycji społecznej, majątkowej czy dworskiej. Za nią artysta ustawił wysoki mur, a dalej stworzył melancholijny krajobraz pocięty zygzakowatymi liniami ścieżek i wijących się potoków. Postać namalowana została z innej perspektywy niż krajobraz: kobieta w perspektywie centralnej, a tło z lotu ptaka. Mona Lisa wielokrotnie była inspiracją dla wielu innych późniejszych artystów, w tym Salvadora Dalí, Fernanda Légera, Marii Sol Escobar, Marcela Duchampa, Fernanda Legera oraz Andy’ego Warhola. Śpiewał o niej Nat King Cole (Mona Lisa), Bob Dylan (Vision of Johanna), Elton John, Willie Nelson, Jimmy Clanton czy Slick Rick. Była motywem w licznych powieściach literackich oraz filmowych: w Star Treku, w Doktorze Who, czy w Uśmiechu Mony Lisy z Julią Roberts w roli głównej, jak i w animowanej wersji Giocondy Terry’ego Gilliama w czołówce Latającego Cyrku Monty Pythona. 2. Gwiaździsta noc — Vincent van Gogh Tytuł oryginalny: The Starry Night Data powstania: 1889 Oryginał zobaczysz w: Museum of Modern Art (MoMA) w Nowym Jorku. Gwiaździsta noc Vincenta van Gogha, to jedno z tych dzieł, którego reprodukcje można kupić w sklepach z pamiątkami na całym świecie. Pokazuje wioskę Saint-Remy pod wirującym słońcem. Jako jedno z nielicznych dzieł Van Gogha, obraz nie został namalowany z natury, ale całkowicie z pamięci i dzięki wyobraźni autora. Jest jednym z najsłynniejszych jego dzieł. Stał się przedmiotem utworów poetyckich, prozy oraz piosenki „Vincent (Starry, Starry Night)” Dona McLeana. 3. Narodziny Wenus – Sandro Botticelli Tytuł oryginalny: The Birth of Venus Data powstania: 1484–1486 Oryginał zobaczysz w: Galerii Uffizi we Florencji. Obraz przedstawia scenę narodzin Wenus. Centralne miejsce zajmuje naga, długowłosa bogini, stojąca w ogromnej muszli unoszonej przez morskie fale. Towarzyszą jej Hora (jedna z bogiń pór roku) i Zefiry, kierujące ku brzegowi muszlę, na której stoi naga Wenus. Część obrazu umieszczono na włoskiej monecie 10 eurocentów. Motyw ten wykorzystała też firma Adobe w opakowaniach i materiałach promocyjnych programu Adobe Illustrator 10. Fragmenty obrazu są zawarte na okładce płyty „Artpop” amerykańskiej piosenkarki Lady Gagi. 4. Krzyk – Edvard Munch Tytuł oryginalny: Skrik Data powstania: 1893 Oryginał zobaczysz w: jedna z wersji obrazu znajduje się w Muzeum Narodowym w Oslo, dwie kolejne w Muzeum Muncha w Oslo. Obraz opisuje egzystencjalny kryzys osobisty. Przedstawia człowieka, który jest w stanie nieszczęścia i izolacji, umieszczonego na tle fiordów znajdujących się w pobliżu Oslo, widocznych ze wzgórza Ekeberg. Jest uważany za arcydzieło ekspresjonizmu. Słynna maska mordercy z filmu Krzyk była wzorowana na twarzy postaci z obrazu Muncha. 5. Słoneczniki – Vincent van Gogh Data powstania: 1888 Oryginał zobaczysz w: Muzeum Vincenta van Gogha, Amsterdam ( najpopularniejsza wersja z 15 słonecznikami). Słoneczniki, to seria obrazów namalowanych przez Vincenta van Gogha, zawierających motyw słoneczników. Powstało ogółem 11 obrazów: 4 podczas pobytu w Paryżu i 7 w Arles. Każdy z nich ma swoją nazwę, np. Martwa natura: wazon z dwunastoma słonecznikami czy Martwa natura: wazon z piętnastoma słonecznikami. 6. Dziewczyna z perłą — Jan Vermeer Tytuł oryginalny: Het Meisje met de Parel Data powstania: 1665 Oryginał zobaczysz w: Muzeum Narodowym Mauritshuis w Hadze. Uważany przez wielu za „holenderską Mona Lisa” lub „Mona Lisa Północy”, uznawany jest za jeden z najwybitniejszych przykładów XVII-wiecznego malarstwa. Obraz ten stanowił inspirację do powstania powieści historycznej (1999) o takim samym tytule autorstwa Tracy Chevalier. W 2003 roku brytyjski reżyser, Peter Webber, nakręcił film pod tytułem Dziewczyna z perłą, którego kanwą były okoliczności powstania obrazu. W rolę tytułowej dziewczyny z perłą wcieliła się Scarlett Johansson. 7. Trwałość pamięci – Salvador Dali Tytuł oryginalny: La persistencia de la memoria Data powstania: 1931 Oryginał zobaczysz w: Museum of Modern Art (MoMA) w Nowym Jorku. Jeden z najsłynniejszych obrazów surrealistycznych Salvadora Dalí, znany również pod niewłaściwymi nazwami Miękkie zegary lub Cieknące zegary. Przedstawia topiące się zegarki na plaży. Dali wspomina, że ​​był motywowany surrealistyczną koncepcją topienia sera Camembert pod słońcem. Wkrótce stał się jednym z symboli surrealizmu, a także popkultury, będąc reprodukowany na kartach, pocztówkach oraz pojawiając się w filmach, animacjach i komiksach (jak np. Tytus, Romek i A’Tomek w księdze XVIII). 8. Pocałunek -Gustav Klimt Data powstania: 1908 Oryginał zobaczysz w: Galerii Austriackiej Belvedere. Obraz przedstawia zatraconą w miłosnym objęciu parę kochanków na skarpie łąki kwiatowej. Kochankowie odziani w złote szaty zostali uchwyceni w pozie sugerującej zbliżający się pocałunek.”Złoty okres” w którym powstało dzieło, to okres malarskiej fascynacji Klimta złotem. Wiele obrazów artysty powstałych w tym okresie, ma bogate zdobienia wykonane z płatków szczerego złota. 9. Stworzenie Adama – Michał Anioł Data powstania: 1511 Oryginał zobaczysz w: Kaplicy Sykstyńskiej w Watykanie,Włochy. Fresk przedstawia scenę z Księgi Rodzaju (Rdz 1,27), w której Bóg daje życie Adamowi, pierwszemu człowiekowi. Jest to tylko jedna z dziewięciu scen z Księgi Rodzaju, które są namalowane na środku stropu kaplicy. 10. Guernica – Pablo Picasso Data powstania: 1937 Oryginał zobaczysz w: Muzeum Narodowe Centrum Sztuki Królowej Zofii w Madrycie. Obraz został namalowany w Paryżu i zainspirowany bombardowaniem Guernica w Hiszpanii, podczas hiszpańskiej wojny domowej. Malowidło przedstawia chaos, śmierć i strach ludzi, które sprowadza wojna na spokojne miasteczko. Tragedia Guerniki została podkreślona poprzez użytą kolorystykę – czerń, biel i różne odcienie szarości. Cierpienie wyraził artysta poprzez postacie i rekwizyty: szczątki ludzkie, płaczące kobiety, leżącego wojownika. Symbolicznie obraz ten przedstawia również cierpienie całego narodu baskijskiego walczącego o wolność, o swój kraj i język. Kopia obrazu znajduje się w kwaterze głównej ONZ, by przypominać o okrucieństwach wojny i przed nią przestrzegać. 11. Taras kawiarni w nocy — Vincent van Gogh Tytuł oryginalny: Café-terras aan het Place du Forum Data powstania: 1888 Oryginał zobaczysz w: Kröller-Müller Museum – galeria sztuki oraz park rzeźby mieszczące się na terenie holenderskiego parku narodowego De Hoge Veluwe w Otterlo. Van Gogh po przybyciu do Arles poszukiwał lokalu, w którym mógłby urządzić pracownię artystyczną. W maju 1888 wynajął dom, nazwany od koloru elewacji „Żółtym Domem”. Na czas urządzania się wynajął mieszkanie nad kawiarnią Café de la Gare., która stała się tematem dwóch słynnych obrazów van Gogha: Nocnej kawiarni i Tarasu kawiarni w nocy. Chociaż Van Gogh nigdy nie podpisał tego utworu, odwołuje się do słynnego arcydzieła Cafe w wielu osobistych dokumentach. wodne – Claude Monet Tytuł oryginalny: Nymphéas Data powstania: 1894-1926 Oryginał zobaczysz w: obrazy są eksponowane w muzeach na całym świecie, w tym Musée Marmottan Monet i Muzeum Orsay w Paryżu. Lilie wodne to seria około 250 obrazów olejnych francuskiego impresjonisty. Obrazy przedstawiają ogród kwiatowy Moneta w Giverny. Były one głównym przedmiotem artystycznej produkcji Moneta w ciągu ostatnich trzydziestu lat jego życia. Wiele prac zostało namalowanych, podczas gdy Monet cierpiał na kataraktę. 13. Bal w Moulin de la Galette – Pierre-Auguste Renoir Tytuł oryginalny: Bal du moulin de la Galette Data powstania: 1876 Oryginał zobaczysz w: Muzeum Orsay w Paryżu. Obraz przedstawia typowe niedzielne popołudnie w Moulin de la Galette w dzielnicy Montmartre w Paryżu. Pod koniec XIX wieku, paryżanki z klasy robotniczej ubierały się i spędzały tam wieczór na tańcach, piciu i jedzeniu galaretek. Podobnie jak inne dzieła wczesnej dojrzałości Renoir, Bal du moulin de la Galette jest typowo impresjonistyczną migawką prawdziwego życia. Pokazuje bogactwo formy, płynność pociągnięcia pędzla i migoczące światło. 14. Straż nocna – Rembrandt Tytuł oryginalny: De Nachtwacht Data powstania: 1642 Oryginał zobaczysz w: Rijksmuseum, Amsterdam, Holandia. Obraz o 3 tytułach – Kompania Fransa Banninga Cocqa i Willema van Ruytenburgha lub Straż nocna lub Wymarsz strzelców, to symbol holenderskiego Złotego Wieku. Przedstawia kompanię straży obywatelskiej z Amsterdamu z połowy XVII wieku. Członkami tej kompanii, dowodzonej przez Fransa Banningh Cocqa, byli kupcy handlujący suknami, a sam obraz odznacza się nowatorskim na owe czasy przedstawieniem portretowanych ludzi. Zamiast grupy ludzi pozujących, Rembrandt przedstawił na swoim obrazie członków Straży w ruchu, wychodzących prawdopodobnie na służbę. 15. Panny z Awinionu – Pablo Picasso Tytuł oryginalny: Les Demoiselles d’Avignon Data powstania: 1907 Oryginał zobaczysz w: Museum of Modern Art (MoMA) w Nowym Jorku. Jedno z najbardziej znanych dzieł Pabla Picassa, przedstawiające pięć prostytutek z ulicy d’Avinyo w Barcelonie, nieopodal której mieszkał artysta. Ich rażąca seksualność została wzmocniona przez wpływ Picassa ze sztuki nie-zachodniej, który jest najbardziej widoczny w twarzach trzech kobiet, które są przedstawiane jako maski, co sugeruje, że ich seksualność jest nie tylko agresywna, ale także prymitywna. Picasso rozpoczął prace nad obrazem we Francji, długo przygotowując się do stworzenia tego dzieła, rysując setki grafik pomocniczych. Jest to olej na płótnie, utrzymany w ciepłej tonacji kolorystycznej z przewagą barwy pomarańczowej. Obraz ma cechy typowe dla kubizmu. 16. Niedzielne popołudnie na wyspie La Grande Jatte – Georges Pierre Seurat Tytuł oryginalny: Un dimanche après-midi à l’Île de la Grande Jatte Data powstania: 1884–1886 Oryginał zobaczysz w: Art Institute of Chicago. Obraz stworzony przez Georgesa Seurata pokazuje luźną atmosferę ludzi w leniwe niedzielne popołudnie na wyspie La Grande Jatte, niedaleko Paryża. Obraz ten jest doskonałym przykładem puentylizmu – pociągnięcia pędzla zastąpiły drobne, różnobarwne punkty i niewielkie kreski, tworzące spójną całość. Początkowo praca Seurata była niepochlebnie odbierana przez krytykę, obecnie uważana jest za jedno z arcydzieł malarza. 17. nr 5, 1948 – Jackson Pollock Data powstania: 1948 Oryginał zobaczysz w: obraz znajduje się w kolekcji prywatnej w Nowym Jorku. No. 5, 1948 wykonano na płycie pilśniowej, poplamionej brązową i żółtą farbą, aby uzyskać wygląd przypominający gniazdo. Obraz jest charakterystycznym dziełem sztuki, obrazującym chaos szalejący w czasach Pollocka w czasie malowania. W maju 2006 r. dzieło zostało sprzedane za 140 milionów dolarów, co do kwietnia 2011 roku, czyniło go najdroższym obrazem na świecie. Obecnie jego dawną pozycję zajmuje obraz Leonarda da Vinci. Dzieło zatytułowane „Salvator Mundi” czyli „Zbawca świata” przedstawiające Chrystusa, sprzedane w 2017 roku za 450 milionów dolarów. 18. Czerwony pokój – Henri Matisse Tytuł oryginalny: The Dessert: Harmony in Red (The Red Room) Data powstania: 1908 Oryginał zobaczysz w: Hermitage Museum, St. Petersburg. Obraz został zamówiony jako „Harmony in Blue”, ale Matisse był niezadowolony z rezultatu, więc pomalował go preferowaną przez siebie krytycy uważają go za arcydzieło Matisse’a. To malarstwo Fowistów naśladuje przykład impresjonizmu z ogólnym brakiem centralnego punktu skupienia. pożerający własne dzieci — Francisco De Goya Tytuł oryginalny: Saturno devorando a un hijo Data: 1819–1823 Oryginał zobaczysz w: Muzeum Narodowe Prado w Madrycie. Dzieło to jest jednym z 14 Czarnych Obrazów, które Goya namalował bezpośrednio na ścianach swojego domu nazywanego Domem Głuchego. Po śmierci Goi malowidła zostały przeniesione na płotno przez malarza Salvadora Martíneza Cubellsa. Obraz przedstawia Saturna, boga w mitologii rzymskiej, pożerającego swojego syna. Według mitu Saturn pożerał swoje dzieci tuż po narodzeniu, gdyż obawiał się, że jedno z nich odbierze mu tron. 20. Ogród rozkoszy ziemskich- Hieronim Bosch Data powstania: ok. 1500 Oryginał zobaczysz w:Muzeum Narodowe Prado w Madrycie. Ten fantastyczny tryptyk autorstwa wczesnego niderlandzkiego malarza Hieronima Boscha, jest powszechnie uznawany za odległy poprzednik surrealizmu. Celem obrazu było potępienie wad i słabości skazujących ludzi na piekielne męki. Interpretacje różnią się jednak co do szczegółów i znaczenia konkretnych alegorii. Jedni widzą tu przedstawienie grzechów głównych, inni odczytują aluzje do rozmaitych herezji. 21. kompozycja VIII – Wassily Kandinsky Data powstania: 1923 Oryginał zobaczysz w:Muzeum Guggenheima w Nowym Jorku. Kompozycja VIII to jedno z najważniejszych dzieł Wasilly’a Kandinskiego, które powstało, w okresie architekturalnym jego twórczości, inspirowanym malarstwem rosyjskich konstruktywistów. Kandinsky jako twórca sztuki abstrakcyjnej, wykorzystywał kształty i symbole zamiast prawdziwych ludzi. Kompozycja VIII jest jednym z jego pierwszych obrazów, które objaśniają tę formę sztuki. 22. Pejzaż z upadkiem Ikara – Pieter Bruegel Data powstania: ok. 1557 Oryginał zobaczysz w:Królewskie Muzea Sztuk Pięknych w Brukseli. Obraz holenderskiego artysty Pietera Bruegla ukazuje ludzką obojętność na cierpienia bliźnich. Tytuł obrazu nawiązuje do mitu o Ikarze, opisanego w Metamorfozach Owidiusza. Temat został przedstawiony w formie tonącego Ikara i ludzi niezainteresowanych tym faktem, kontynuujących swoją pracę. Tytułowy wpadający do morza Ikar jest niemal niewidoczny. Z prawej strony można dostrzec jego wystające z wody nogi oraz kilka piór unoszących się na tafli wody. Autorstwo dzieła zostało zakwestionowane w 1996 po badaniach technicznych. Według oficjalnej strony muzeum nie ma pewności co do autorstwa obrazu, ale kompozycja z całą pewnością jest Bruegla. Brakuje dokumentów i wzmianek historycznych, obraz jest niesygnowany. Być może mamy do czynienia z kopią zaginionego oryginału. 23. Ja i wieś – Marc Chagall Tytuł oryginalny: I and the Village Data powstania: 1911 Oryginał zobaczysz w:Museum of Modern Art, New York. Obraz składa się z przenikających się planów. Chagall przedstawia bajkę, w której krowa marzy o mlecznej pokojówce, a mężczyzna i żona (jeden pionowo, jeden do góry nogami) bawią się na polach pracy. Abstrakcja jest sednem tej pracy, ale istnieje głównie po to, by udekorować obraz. Choć wyraźnie widać wpływ kubizmu i fowizmu na grę w płótnie Chagalla, w odróżnieniu od dzieł Picassa czy Matisse’a, Chagall jest o wiele bardziej zabawny i liberalny dzięki elementom dekoracyjnym, tworzącym pasterski raj z rosyjskiej wsi. Jest to wczesny przejaw podejścia, które uczyniło artystę znanym i wpływowym: mieszanką nowoczesności i figuratywności, z lekkim, kapryśnym tonem. 24. Błękitne tancerki – Edgar Degas Data powstania: 1890 Oryginał zobaczysz w: Muzeum Orsay w Paryżu. „Niebieskie tancerki” Degas malował pod koniec lat 90. XIX wieku u schylku swojej kariery. Obraz przedstawia cztery tancerki w niebieskich sukienkach, przygotowujące się do występu. Dzieło ukazuje silne wpływy impresjonizmu w spontaniczności sceny, nasyconych kolorach i w świadomym unikaniu niepotrzebnych detali. 25. Syn człowieczy – Rene Magrittees Tytuł oryginalny: Le fils de l’homme Data powstania: 1964 Oryginał zobaczysz w: obraz w posiadaniu prywatnego kolekcjonera. Magritte malował Syna Człowieczego, jako autoportret. Obraz przedstawia mężczyznę w garniturze z melonikiem. Jego twarz jest w większości zasłonięta zielonym jabłkiem. Tematem dzieła sztuki jest konflikt między tym, co widoczne, a tym, co ukryte. Część cech, które chcemy zobaczyć, często jest zasłaniana przez to, co widoczne. 26. Portret małżonków Arnolfinich – Jan van Eyck Data powstania: 1434 Oryginał zobaczysz w:National Gallery w Londynie. Obraz ten jest jednym z najważniejszych dzieł powstałych w początkach wczesnego okresu północnego renesans, uważanym za jeden z pierwszych obrazów wykonanych w olejach. Przedstawia włoskiego biznesmena Giovanniego Arnolfiniego i jego ciężarną żonę w ich domu w Brugii. 27. Ostatnia Wieczerza – Leonardo da Vinci Tytuł oryginalny: L’Ultima Cena Data: 1495–1498 Oryginał zobaczysz w: bazylice Santa Maria delle Grazie w Mediolanie, Włochy. Ostatnia Wieczerza podziwiana jest głównie ze względu na naturalizm obrazu i bijącą z niego iluzję rzeczywistości. Samo przedstawienie sceny, pełne dynamizmu i emocji niespotykanych w ówczesnych freskach ukazujących ostatnią wieczerzę, było niemal rewolucją. Fresk przedstawia moment, w którym Jezus ogłasza, iż jeden z apostołów go zdradzi (Judasz to czwarta postać od lewej). 28. Miłosny uścisk wszechświata – Frida Kahlo Tytuł oryginalny: El abrazo de amor de el universo, la tierra (México), yo, Diego, y el Señor Xolotl Data powstania: 1949 Oryginał zobaczysz w: Muzeum Fridy Kahlo, Meksyk. Jeden z licznych autoportretów Fridy, w którym wciela się w ziemską matką, Madonnę, opiekującą się dzieckiem, którego nigdy nie mogła mieć- jej „Dieguito”. Obraz posiada wiele warstw splecionych uścisków. Podwójna twarz Wszechświata, jasne i ciemne tło planet i eterycznej mgły, trzyma mroczną Ziemię (Meksyk). Ta praca jest bogata w symbolikę, z wieloma warstwami znaczeń. Jednak symbole nie różnią się od wielu innych dzieł Kahlo. Wielu krytyków sztuki twierdziło, że Miłosny uścisk portretuje kilka zmagań Fridy, w tym między innymi: kobieość, macierzyństwo i jej wilką miłość do Diego Rivery. 29. Karnawał Arlekina – Joan Miró Data: 1925 Oryginał zobaczysz w: Galerii Sztuki Albright-Knox w Buffalo. Karnawał Arlekina to jeden z pierwszych surrealistycznych obrazów wybitnego Katalończyka. Powstał, gdy Miró przelał na płótno, swoje halucynacje stymulowane głodem, tworząc tym samym, jedno ze swoich najbardziej znanych dzieł. Tytuł odnosi się do francuskiego wyrażenia „repas d’Arlequin” (posiłek Arlekina) oznaczającego skromny posiłek. W ten sposób Miró przywoływał charakterystyczny dla surrealistów motyw czerpania inspiracji z wizji wywołanych alkoholem, kontemplacją, brakiem snu lub pożywienia. z gronostajem- Leonardo da Vinci Tytuł oryginalny: Dama con l’ermellino Data: 1488-1490 Oryginał zobaczysz w:Muzeum Narodowe w Krakowie. Dama z gronostajem jest jednym z najcenniejszych polskich muzealiów i jedynym dziełem Leonarda da Vinci w Polsce. Tematem portretu jest Cecilia Gallerani, namalowana w czasach, gdy była kochanką Ludovica Sforza, księcia mediolańskiego, dla którego Leonardo wtedy pracował. Trzymane przez modelkę zwierzę, nazywane gronostajem, a wcześniej łasiczką bądź fretką, nie jest przypadkowe i ma znaczenie symboliczne. Jego grecka nazwa galé zawiera się w nazwisku Gallerani – jest więc nawiązaniem do nazwiska modelki. Zwierzę jest również czytelnym symbolem Ludwika Sforzy, nazywanego przez współczesnych „Ermellino”, czyli „Gronostaj”, w nawiązaniu do prestiżowego Orderu Gronostaja, którego był kawalerem, i którego wizerunku używał jako swojego godła. Jakie obrazy byście jeszcze dodali do tej listy? Czy wśród pierwszej 30 jest Wasz ulubiony? Dajcie znać w komentarzach. Jeśli zadajemy sobie pytanie, kto z twórców XX wieku jest założycielem i kwintesencją sztuki współczesnej, odpowiedź brzmi: Pablo Picasso. Zdjęcia tego geniuszu są ozdobą wiodących muzeów świata. Wszystkie obrazy mistrza - a jest ich kilkadziesiąt tysięcy! - Wiem tylko, że jego biografowie. Od czasu do czasu z prywatnych kolekcji na wielu aukcjach dzieła artysty wciąż nieznanego publiczności upadają. W tym samym czasie każdy szanujący się człowiek widział (przynajmniej na ilustracjach) "Dziewczynę na piłce", "Bieganie" i "Guernicę". Rozwińmy nasze horyzonty i przyjrzyjmy się bliżej znanym płótnom mistrza. Poniżej znajduje się zdjęcie przedstawiające niektóre obrazy Pabla Picassa, których nazwy związane są z karierą artysty. Ewolucja własnego stylu Urodzony w 1881 roku, Pablo Diego José został nazwany po swoim ojcu po ojcu. Ale chłopiec z wczesnego dzieciństwa chciał być inny niż jego przodek-artysta. Właśnie dlatego wybrał nazwisko matki - Picasso. Talent młodego artysty ujawnił się wcześnie. Gdy chłopiec osiągnął wiek siedmiu lat, jego ojciec polecił mu zakończyć pisanie fragmentów swoich obrazów (na przykład nóg gołębi). Kiedy Pablo skończył trzynaście lat, napisał martwe życie. Technika wykonania zadziwiła mojego ojca, że ​​rzucił malarstwo. Wszystkie pieniądze, które wydał na zapewnienie synowi najlepszej edukacji. Pablo studiował w Barcelonie w Madrycie, wielokrotnie podróżował do Paryża, gdzie odwiedzał wszystkie muzea. W 1902 r. Jego przyjaciel popełnił samobójstwo. Pod wrażeniem śmierci rozpoczął się "niebieski okres" w twórczości Pabla Picassa. Jego obrazy są pełne melancholii. Głównie poruszane tematy śmierci, smutku. W tym stylu są pisane płótna "Absynt kochanek", "Data", "Żebrak z chłopcem", "Tragedia". W wydłużonych proporcjach postaci wyodrębnia się wpływ El Greco. "Różowy okres" Osiedlając się na Montmartre, Pablo Picasso stopniowo odchodzi od smutku i pogrąża się w burzliwym i groteskowym świecie cyrku i teatru. Szaro-niebieska paleta jest stopniowo zastępowana różem i ochrą. Tkanina "Dziewczyna na balu" może być nazywana przejściem. Uwielbił Pabla Picassa. Najsłynniejsze obrazy z okresu "różowego" pełne są wędrownych komików, cyrkowców, gimnastyków. Są to "Rodzina akrobatów z małpką", "Głupiec", "Młody arlekin". W tym samym 1904 roku artysta spotkał Fernando Oliviera, który stał się jego pierwszą muzą. Pod koniec okresu różowego Picasso był zafascynowany antycznymi motywami. Były więc płótna "Chłopiec prowadzący konia" i "Dziewczyna z kozłem". Okres afrykański Od 1906 roku Picasso pracował nad portretem swojej przyjaciółki - Gertrude Stein. Ponad siedemdziesiąt razy przerobił obraz i za każdym razem był niezadowolony z wyniku. W następnym roku artysta odkrył niesamowity i magiczny świat afrykańskich masek i rzeźb. Doprowadziło to do tego, że mistrz zaczął przedstawiać nie określoną osobę, ale osobę jako taką. Afrykańskie trendy odepchnęły Pabla Picassa, którego obrazy były niezrozumiałe francuscy artyści początek XX wieku, wielu starzy przyjaciele. Szczególnie zszokowani widzowie "Avignon girls" (1907). Z powodu tego skandalicznego obrazu Picassa złamał Matisse. Artysta J. Braque mówił o "dziewczynkach z Awinionu" w taki sposób: "Odnosi się wrażenie, że chcieli nas pobić holowaniem i piciem nafty". Jednak krytycy sztuki uznają, że ta praca była punktem wyjścia awangardy. Kubizm To dość długi okres w twórczości artysty. Dlatego jest podzielony na kilka etapów. Pierwszym z nich jest tak zwany "Sezanovsky". Picasso dziedziczy paletę kolorów francuskiego artysty. Ten etap obejmuje "puszki i miski", "Kobieta z wentylatorem". W "analitycznym kubizmie" temat jest przedstawiany jako podzielony na kilka fragmentów. Są to portrety Ambroise Vollarda, Fernandy Olivier, Canweilera. Okres "syntetycznego kubizmu" rodzi szereg martwych natur. Pablo Picasso, którego obrazy przedstawiają obecnie głównie nuty z instrumentami muzycznymi, rury, butelki wina i sztućce, podkreślają dekoracyjność i kontrast. Żywymi przykładami tego etapu są płótna "Martwa natura z wiklinowym krzesłem", "Stół w kawiarni", "Skrzypce i gitara". Potem rozpoczęła się pierwsza wojna światowa, odwracając świadomość milionów. Artysta powrócił do neoklasycyzmu ("Portret żony Olgi na fotelu", "Kąpiący się", "Kobiety biegnące wzdłuż plaży", "Portret syna Pawła"), a następnie zwrócił się do surrealizmu ("Taniec", "Kobieta z kwiatem", "Dziewczyna przed lustrem "i inne). Pablo Picasso: najsłynniejsze obrazy Dolores Ibarruri powiedział kiedyś: "Jeśli Picasso nie stworzył niczego dla swojego życia poza Guernicą, to nawet wtedy mógłby zostać zaliczony do najlepszych artystów swojej epoki." Impulsem do powstania obrazu było zbombardowanie małego baskijskiego miasta. W kwietniu 1937 r. Niemiecka eskadra "Condor" zbombardowała Gernicka w nocy. Pablo Picasso, którego słynne obrazy są wyzwaniem dla współczesnych dyktatorów, nigdy tam nie był. Ale wiadomość o śmierci Guernica działała na niego jak cios batem. Wielkie płótno w czerni i bieli powstało w ciągu miesiąca. Technika "kubizmu" nie ukrywała, ale tylko podkreślała horror tego, co się dzieje. Czarno-białe farby, jak kroniki dokumentalne, naprawiają sceny przemocy. Pewnego razu podczas przeszukania w domu artysty, zapytał oficer nazistowski, wskazując na zdjęcie "Guernica": "Czy to zrobiłeś?" I do tego otrzymał najbardziej bezpośrednią odpowiedź. "Nie, zrobiłeś to!" XX wiek był wiek artystycznej awangardy, będąc jednym z momentów o największej liczbie stylów i nurtów artystycznych w historii sztuki. W ten sposób w ciągu kilkudziesięciu lat duża grupa artystów z całego świata przyjęła różne style artystyczne w miarę ich pojawiania się i porzuciła je na rzecz innych nowych nurtów. W tej nowej lekcji z oferujemy wybór słynne obrazy awangardowe które wywarły największy wpływ w ich czasach i które nadal zadziwiają nas swoim pięknem i wielkim wpływem, jaki wywarł i nadal ma cały świat sztuki. Może Ci się spodobać: Vincent Van Gogh: Słynne obrazy Indeks Charakterystyka malarstwa awangardowego XX wieku Krzyk Eduarda Muncha (1893), jeden ze słynnych obrazów awangardowych Lucyfer przez Jacksona Pollocka (1947) Młode panie z ulicy Avinyó, Pablo Picasso, 1907 Taniec, Henry Matisse (1910) Czerwona Wieża Eiffla, Robert Delaunay (1911) Ruch korytarza, Umberto Boccioni Trwałość pamięci, Salvador Dalí, 1931 Charakterystyka malarstwa awangardowego XX wieku. ten XX-wieczne malarstwo awangardowe Wykazują dużą oryginalność, a także niewyczerpaną ciekawość odkrywania nowych materiałów, kształtów, tematów i koncepcji. Ponadto są doceniane dwa nurty, malarze, którzy wybrali dla symboliczny i odzwierciedlały rzeczywistość w mniej lub bardziej wiarygodny sposób; podczas gdy inni odwracają się od tego, aby wybrać co abstrakcyjny. Inspiracji szukali także w sztuce innych kontynentów, zwłaszcza w prymitywna sztuka z Afryki i Polinezjioraz sztukę azjatycką, zwłaszcza japońską. Z drugiej strony artyści potrafili uchwycić w swoich pracach burzliwe czasy, w których przyszło im żyć. Świat pogrążony w kryzysie, w którym malarze nie tylko chcą przedstawiać rzeczywistość taką, jaka jest, z rozpoznawalnymi tematami, ale także poszukują ożywić sztukę i pokazać światu jego sumienie, jego interpretację rzeczywistości, prowokując widza i zmuszając go do reagowania na otaczający go świat. Krzyk Eduarda Muncha (1893), jeden ze słynnych obrazów awangardowych. Wśród głównych znanych obrazów awangardowych XX wieku wyróżnia się Krzyk przez Eduarda Muncha. To jest jeden z najważniejsze obrazy ekspresjonizmu. Przedstawia rysunek z wijącymi się liniami, arbitralnym i intensywnym kolorem, postacie pełne udręki i przytłoczone całkowicie pesymistyczną i ponurą wizją życia. Krzyk by Munch to prawdziwie kultowe dzieło XX wieku. Lucyfer przez Jacksona Pollocka (1947) ten abstrakcyjny ekspresjonizm to abstrakcyjny ruch wywodzący się z Szkoła w Nowym Jorku liczyć na Jackson Pollock jako jeden z jej głównych przedstawicieli. W tym przypadku obserwujemy jedną z kultowych technik Pollocka, wybuch lub kapanie. Technika polegająca na nakładaniu farby bez pędzla, tylko rzucaniu puszek i tub, przy czym najważniejszy jest proces tworzenia, a nie skończone dzieło. Młode damy z ulicy Avinyó, Pablo Picasso, 1907. Panie z ulicy Avinyó on jest rewolucjonistą protokubistyczny obraz Pabla Picassa To była prawdziwa zmiana w świecie sztuki, ponieważ było to całkowite zerwanie z realizmem i tym, co ustalono, aby pokazać akt z różnymi kątami. Praca zgorszyli nawet innych malarzy czasu zarówno za temat, pięć prostytutek i refleksję na temat seksu i śmierci, jak i za wyraźny wpływ sztuki i afrykańskich masek. Taniec, Henry Matisse (1910) Henryk Matisse (1869-1954), fauve, ukazuje w tym obrazie wszystkie cechy tego awangardowego ruchu. Dzięki arbitralności koloru, mocnej i intensywnej, linia rysunku jest gruba i zmienna kolorystycznie. Nie ma też troski o światło czy głębię, nie chodzi o odbijanie czy imitowanie rzeczywistości. Kompozycja jest bardzo prosta, ruch wychodzi poza kadr, z bardzo mocnymi kontrastami kolorystycznymi i intensywnym wyczuciem ruchu. Czerwona Wieża Eiffla, Robert Delaunay (1911) Ten obraz należy do Strumień Orfizmu, stanowiący część słynnej serii obrazów, w których wieża Eiffla rozpada się na wiele fragmentów. Delaunay przeciwstawia różne perspektywy i różne punkty widzenia, aby zaoferować nam inny i prowokacyjny obraz kultowej paryskiej wieży. Ruch korytarza, Umberto Boccioni. W tej ramce Boccioni oddaje dynamizm XX wieku. Chodzi o zaoferowanie wrażenia ruchu nad każdym innym aspektem pracy. Coś, do czego malarz posługuje się kolorem i zestawianiem różnych pozycji ciała korytarza i kina, sztuki, w której jest inspirowany. Należy do futuryzm. Trwałość pamięci, Salvador Dalí, 1931. Przegląd słynnych obrazów awangardowych kończymy omówieniem jednego z najbardziej znane dzieła Dalego, odzwierciedlając w nim troskę człowieka o czas i niemożność kontrolowania jego upływu. To jest jeden z najbardziej reprezentatywne dzieła surrealizmu, będąc przedstawicielem sławnych metoda paranoiaktyczna, oznacza, że ​​Dalí zwykł tworzyć i przez które psychotyczne halucynacje zostały wywołane w celu realizacji jego dzieł. Jeśli chcesz przeczytać więcej artykułów podobnych do Słynne obrazy awangardowe, zalecamy wpisanie naszej kategorii Historia. Bibliografia Albrecht, Hans Joachin (1981) „Rzeźba w XX wieku”. Blume. Barcelona. Blok, Cor (1992) „Historia sztuki abstrakcyjnej (1900-1960)”. Krzesło. Madryt. Bürger, Peter (1987) „Teoria awangardy”. Półwysep Editions, Barcelona Cirlot, L. (red.) (1995) Pierwsze artystyczne awangardy. Teksty i dokumenty. Praca. Barcelona Micheli, Mario (1990) „Awangarda artystyczna XX wieku”. Sojusz. Madryt Poprzednia lekcjaSztuka awangardowa - prosta definicjaNastępna lekcjaMalarstwo impresjonistyczne: charakterystyka ...

pablo picasso słynne obrazy